William Wyler
William Wyler fue un cineasta estadounidense que, en el momento de su muerte en 1981, fue considerado por sus compañeros como el segundo a John Ford como un maestro artesano del cine. El ganador de los tres Premios al Mejor Director de la Academia, en segundo lugar solo después de los cuatro de Ford, la reputación de Wyler ha sufrido injustamente, ya que la falta de una «firma» obvia en su diversa obra le niega el honorífico «autor» que se ha convertido en una medida estándar de grandeza en la comunidad crítica post- «Cahiers du Cinema». Los directores estimados, pero inferiores, suelen ser más elogiados que Wyler, debido a su estilo obvio que hace que sea fácil resumir su trabajo. Sin embargo, no hay director estadounidense después de D.W. Griffith y el primer Cecil B. DeMille, ni siquiera el gran Orson Welles, hicieron tanto para desarrollar completamente el canon básico de la técnica cinematográfica como lo hizo Wyler, una vez más, con la advertencia de John Ford.
La carrera de director de Wyler abarcó 45 años, desde imágenes mudas hasta la revolución cultural de los años setenta. Nominado a un récord 12 veces por un Premio de la Academia como Mejor Director, ganó tres y en 1966, fue honrado con el Premio Irving Thalberg, el máximo galardón de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas para un productor. Tan alta fue su reputación en su vida que fue el cuarto ganador del Premio a la Trayectoria de Vida del American Film Institute, después de Ford, James Cagney y Welles. Junto con Ford y Welles, Wyler se ubica entre los mejores y más influyentes directores estadounidenses, incluidos Griffith, DeMille, Frank Capra, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick y Steven Spielberg.
Willi Wyler, nacido el 1 de julio de 1902, en Mulhouse, en la provincia de Alsacia, entonces posesión de Alemania, de padre suizo y madre alemana, Wyler usó las conexiones de su familia para establecerse en la industria cinematográfica. Después de que el primo de su madre, Carl Laemmle, jefe de Universal Studios le ofreciera un trabajo, Wyler emigró a los Estados Unidos en 1920 a la edad de 18 años. Después de comenzar en las oficinas de Universal en Nueva York como un chico de recado, se abrió camino a través de la organización. , terminando en la operación de California en 1922.
A Wyler se le dio la oportunidad de dirigir en julio de 1925, con el western de dos carretes The Crook Buster (1925). Fue en esta película que fue acreditado por primera vez como William Wyler, aunque nunca cambió su nombre oficialmente y sería conocido como «Willi» toda su vida. Durante casi cinco años realizó su aprendizaje en la unidad «B» de Universal, obteniendo una veintena de westerns silenciosos de bajo presupuesto. En 1929 hizo su primera película «A», Santos del infierno (1929), la primera película de Universal que se filmó fuera de un estudio. El western, la primera versión de la historia de «Los tres padrinos», fue un éxito comercial y crítico.
Los primeros años de la Gran Depresión trajeron tiempos difíciles para la industria cinematográfica, y Universal entró en la administración judicial en 1932, en parte debido a problemas financieros provocados por el nepotismo desenfrenado y los costos de producción desbocados del productor Carl Laemmle Jr., el hijo de el jefe. Hubo 70 miembros de la familia Laemmle en la nómina universal en un punto, incluido Wyler. En 1935, «Tío» Carl se vio obligado a vender el estudio que había creado en 1912 con la fusión en 1912 de su Independent Motion Picture Co. con varias otras productoras. Wyler continuó dirigiendo para Universal hasta el final del régimen familiar, dirigiendo El abogado (1933), la versión cinematográfica de la obra de Elmer Rice con una de las actuaciones más moderadas de John Barrymore, y Una chica angelical (1935), una comedia adaptada de una obra de Ferenc Molnár de Preston Sturges y protagonizada por Margaret Sullavan, quien fue la esposa de Wyler por un corto tiempo. Ambas películas fueron producidas por su primo, «Junior» Laemmle. Emancipado de la familia Laemmle, Wyler se estableció posteriormente como director principal a mediados de la década de 1930, cuando comenzó a dirigir películas para el productor independiente Samuel Goldwyn. Willi pronto encontraría su libertad amarrada por el hombre con el legendario «Goldwyn touch», que implicaba acosar a sus directores para refundir, reescribir y recutar sus películas, y algunas veces reemplazarlos durante el rodaje.
La primera de las obras de Wyler-Goldwyn fue Esos tres (1936), basada en la obra de Lillian Hellman, tema lésbico «La hora de los niños» (el tema de Sapphic se descartó en favor de un triángulo heterosexual más convencional debido a preocupaciones de censura, pero resurgió Intacto cuando Wyler rehizo la película un cuarto de siglo después. Su primer éxito incondicional para Goldwyn fue Desengaño (1936), una adaptación del retrato de Sinclair Lewis de un matrimonio estadounidense en desintegración, una película maravillosa que aún resuena con el público en el siglo XXI. Recibió su primera nominación al Oscar al mejor director por esta foto. La película fue nominada a Mejor Película, el primero de siete años consecutivos en los que una película dirigida por Wyler ganaría ese galardón, que culminó con un Oscar para Willi y La señora Miniver en 1942
La grandeza potencial de Wyler se puede ver tan pronto como «Los héroes del infierno», un hablante temprano que no está limitado por las restricciones de la nueva tecnología. El clímax de la imagen, con el hombre moribundo moribundo de Charles Bickford caminando hacia la ciudad, es un tiro de rastreo largo que se enfoca no en el actor en sí, sino en los detritos que se quita para aligerar su carga mientras lleva a un bebé a la cuna de la civilización. La escena es un presagio del estilo libre que se convertiría en un sello de su trabajo. Sin embargo, fue con «Dodsworth» que Wyler comenzó a establecer su reputación crítica. La película presenta tomas largas y una cámara de sondeo, un estilo que Wyler haría suyo.
Ahora establecido como el director de elección de Goldwyn, Wyler hizo varias películas para él, incluyendo Calle sin salida (1937) y Cumbres borrascosas (1939). Esencialmente un empleado del productor, Wyler se enfrentó con Goldwyn por las elecciones estéticas y anheló su libertad. Goldwyn había exigido que se arreglara el conjunto de ghetto de «Dead End» y que se usara «basura limpia» en el tanque de agua que representa el East River, por encima de las objeciones de Wyler. Goldwyn prevaleció, como lo hizo más tarde con el final de «Wuthering Heights». Después de que Wyler terminó la fotografía principal de la película, Goldwyn exigió un nuevo final en el que los fantasmas de Heathcliff y Cathy se reunieran y se alejaran hacia lo que el público supondría que es el cielo y una eternidad de felicidad combinada. Wyler se opuso al nuevo final y se negó a dispararle. Goldwyn tuvo su último tiro sin Wyler y lo colocó en el corte final. Fue una traición artística lo que irritó a Willi.
Goldwyn prestó a Wyler a otros estudios, e hizo Jezabel (1938) y La carta (1940) para Warner Bros. Trabajando con Bette Davis en las dos obras maestras, así como en La loba de Goldwyn (1941), Wyler obtuvo tres de las Las mejores actuaciones de la gran diva. En estas películas y sus películas de mediados a finales de la década de 1930, Wyler fue pionero en el uso de la cinematografía de enfoque profundo, más famoso con el camarógrafo de iluminación Gregg Toland. Toland filmó siete de las ocho películas que Wyler dirigió para Goldwyn: «These Three», Rivales (1936), «Dead End», «Wuthering Heights» (por la cual Toland ganó su único Premio de la Academia), El forastero (1940), «The Pequeños zorros «y Los mejores años de nuestra vida (1946). Las composiciones en las imágenes de Wyler con frecuencia mostraban múltiples planos horizontales con varios personajes dispuestos en diagonales a diferentes distancias de la lente de la cámara. Al crear una ilusión de profundidad, estas tomas de enfoque profundo mejoraron el naturalismo de la imagen mientras aumentaban el drama.
Como la fotografía de las películas de Wyler se usó para servir la historia y crear un estado de ánimo en lugar de llamar la atención sobre sí misma, más tarde se le dio crédito erróneamente a Toland por crear una cinematografía de enfoque profundo junto con otro gran director, Orson Welles, en Ciudadano Kane (1941). En realidad, el primer uso de Wyler de la cinematografía de enfoque profundo fue en 1935, con «The Good Fairy», en la que Norbert Brodine fue el camarógrafo de iluminación. Fue la primera de sus películas con tomas de enfoque profundo y las composiciones diagonales que se convirtieron en un leitmotiv de Wyler. La película también incluye un espejo retrovisor retrocediendo media década antes de que Toland y Welles crearan una similar para «Citizen Kane».
Wyler ganó su primer Oscar como Mejor Director con «Mrs. Miniver» para MGM, que también ganó el Oscar a la Mejor Película, la primera de las tres películas de Wyler que serían tan honradas. Hecha como una pieza de propaganda para que el público estadounidense los prepare para los sacrificios requeridos por la Segunda Guerra Mundial, la película se desarrolla en tiempos de guerra en Inglaterra y aclara las dificultades sufridas por una familia inglesa de clase media común que se enfrenta a la guerra. Un entusiasta presidente, Franklin D. Roosevelt, después de ver la película en una proyección en la Casa Blanca, dijo: «Esto debe ser mostrado de inmediato». La película también ganó un Oscar por la estrella Greer Garson y su coprotagonista Theresa Wright, por el director de fotografía Joseph Ruttenberg y por Mejor guión.
Después de «Miniver», Wyler se fue a la guerra como oficial en el Cuerpo Aéreo del Ejército de los Estados Unidos. Una de sus películas de propaganda más memorables de la época fue un documental sobre un bombardero B-17, The Memphis Belle: Una historia de una fortaleza voladora (1944). También dirigió el documental de la Armada The Fighting Lady (1944), un examen de La vida a bordo de un portaaviones estadounidense. Aunque la película posterior ganó un Oscar como Mejor Documental, «The Memphis Belle» se considera un clásico de su forma. La realización del documental fue incluso el tema de un largometraje de 1990 del mismo nombre. «The Memphis Belle» se enfoca en el bombardero B-17 del mismo nombre y su 25º y último ataque aéreo desde una base en Inglaterra. El documental presenta imágenes aéreas de la batalla que Wyler y su equipo filmaron en los cielos de Alemania. Uno de su equipo fotográfico, que volaba en otro avión, fue asesinado durante el rodaje de las batallas aéreas. El propio Wyler perdió la audición en una oreja y se quedó parcialmente sordo en la otra debido al ruido y la conmoción cerebral de la explosión que estalló alrededor de su avión.
La primera imagen de Wyler al regresar de la Segunda Guerra Mundial demostraría ser la última película que hizo para Goldwyn. Un veterano que regresa como los que aparecen en «Los mejores años de nuestras vidas» (1946), esta película le ganó a Wyler su segundo Oscar. La película, que contó con una actuación conmovedora del veterano de la vida real y el doble amputado Harold Russell, tocó el acorde universal con los estadounidenses y fue un gran éxito de taquilla. Fue la segunda película dirigida por Wyler a ser nombrada Mejor Película en los Premios de la Academia. La película también ganó un Oscar por la estrella Fredric March y su coestrella Russell (quien también recibió un premio honorífico «por brindar esperanza y coraje a sus compañeros veteranos»), al editor de películas Daniel Mandell, al compositor Hugo Friedhofer y al guionista Robert E. Sherwood. y fue fundamental para obtener el Premio Irving Thalberg para Samuel Goldwyn, quien también se llevó a casa el Oscar a la Mejor Película ese año como el productor de «Los Mejores Años».
Aunque Wyler obtuvo algunas de las mejores actuaciones conservadas en la película, irónicamente no pudo comunicar lo que quería a un actor. Un perfeccionista, se hizo conocido como «40-Take Wyler», filmando una escena una y otra vez hasta que los actores la interpretaron como él quería. Con su uso de tomas largas, los actores se vieron obligados a actuar dentro de cada toma ya que sus actuaciones no se cubrirían en la sala de despiece. Sus tomas largas y su falta de corte disminuyeron el ritmo de sus películas, brindando una mayor sensación de continuidad dentro de cada escena e involucrando íntimamente a la audiencia en el desarrollo del drama. Se permitió que la historia en una película de Wyler se desarrollara orgánicamente, sin una edición complicada para cubrir huecos en el guión o para compensar un desempeño inadecuado. Wyler normalmente ensayó a sus actores durante dos semanas antes del comienzo de la fotografía principal.
Mientras más actores ganaron premios de la Academia en las películas de Wyler, 14 de un total de 36 nominaciones (más que cualquiera de los otros dos directores combinados), pocos actores trabajaron más de una o dos veces con él. Bette Davis trabajó en tres películas con él y ganó nominaciones a los Premios de la Academia por cada actuación y un Oscar por «Jezabel». En su última colaboración, «The Little Foxes» (1941), Davis abandonó la producción durante dos semanas después de enfrentarse con Wyler sobre cómo debería interpretarse su personaje.
Se mostró duro con otros actores experimentados, como Laurence Olivier en «Wuthering Heights», quien le dio crédito a Willi por convertirlo de actor de teatro en actor de cine. «Esta no es la Casa de la Ópera en Manchester», le dijo Wyler a Olivier, su forma de transmitir que debería atenuar su actuación. Un año antes, Wyler había forzado a Henry Fonda a través de 40 tomas en el set de «Jezabel», la única dirección de Wyler era «Otra vez» después de cada toma repetida. Cuando Fonda exigió algún comentario sobre lo que estaba haciendo mal, Wyler solo respondió: «Apesta. Hazlo de nuevo». Según Charlton Heston, Wyler se le acercó al principio del tiroteo de Ben-Hur (1959) y le dijo que su desempeño era inadecuado. Cuando un consternado Heston le preguntó qué debía hacer, «Ser mejor» es todo lo que Wyler podría proporcionar. En su autobiografía, Elia Kazan, un famoso «director de actor», cuenta cómo ofreció consejos a un actor conocido de su persona que estaba haciendo una película de Wyler porque sabía que el gran director no estaba al tanto de la actuación y no podría dar consejos.
Wyler creyó que después de muchas tomas, los actores se enojaron y comenzaron a deshacerse de sus ideas preconcebidas sobre la actuación en general y la parte en particular. Desprovistos de estas nociones, los actores pudieron jugar a un nivel más real. Es un proceso que Stanley Kubrick usaría posteriormente en sus películas posteriores a 2001: Una odisea del espacio (1968), aunque con diferentes resultados, creando un antirrealismo de otro mundo en lugar de la verdad más naturalista de una actuación cinematográfica de Wyler. El método de Wyler a menudo significaba que sus películas superaban el calendario y el presupuesto, pero obtuvo resultados. Las actuaciones en las películas de Wyler son parte de la habilidad consumada de este artesano para inyectar atención en sus películas, evitando al mismo tiempo el sentimentalismo y complaciendo a la audiencia. Una película de Wyler exige que su público, al igual que sus actores, se conviertan en colaboradores inteligentes de él.
La reputación de William Wyler ha sufrido ya que no se le considera un «autor» o «autor» de sus películas. Sin embargo, en su carrera de posguerra, definitivamente fue el autor, o el control de la conciencia, detrás de sus películas. Aunque nunca obtuvo un crédito de guionista (aparte de una ópera de caballos temprana, Ridin ‘for Love (1926)), seleccionó sus propias historias y controló la escritura de guiones, contratando a sus propios escritores en un proceso de desarrollo que podría llevar años.
Las películas de Wyler en su postguerra incluyen La heredera (1949), una excelente versión de la novela de Henry James «Washington Square», con una actuación ganadora del Oscar por Olivia de Havilland; Brigada 21 (1951), un drama policial que tiene lugar en un conjunto mínimo y controlado casi tan restringido como el de La soga de Hitchcock (1948); y Vacaciones en Roma (1953), que le valió un Oscar a Audrey Hepburn en su primer papel protagónico. Las otras películas de este período son Carrie (1952), Horas desesperadas (1955) y La gran prueba (1956).
Wyler regresó al género occidental por última vez con Horizontes de grandeza (1958), una imagen muy alejada de sus orígenes de dos carretes, con Gregory Peck, Heston y la antigua estrella de «Hell’s Heroes» de Wyler, Bickford. Burl Ives ganó un Oscar al Mejor Actor de Reparto por su papel como patriarca de un clan proscrito en conflicto con la familia de Bickford. Wyler fue luego reclutado por el productor Sam Zimbalist para dirigir «Ben-Hur» (1959) de MGM, una nueva versión de su clásico de 1925. Era una pantalla panorámica de alto presupuesto ($ 15 millones, aproximadamente $ 90 millones cuando se calculaba la inflación) (la relación de aspecto de la película es de 2,76 a 1 cuando se muestra correctamente en impresiones anamórficas de 70 mm, la proporción más alta jamás utilizada para una película) Épica que el estudio llevaba seis años preparando. La fotografía principal requirió más de seis meses de filmación en Italia, con cientos de miembros de la tripulación y miles de extras. Wyler fue el señor de la tripulación más grande y supervisó más extras que cualquier otra película que haya usado. A pesar de su tamaño, «Ben-Hur» de Wyler, junto con Espartaco de Kubrick (1960), podría decirse que es la entrada más inteligente en el género del éxito de la Biblia. La recaudación de $ 74 millones (aproximadamente $ 600 millones al precio de las entradas de hoy, clasificándose como la película número 13 en términos de rendimiento de taquilla de todos los tiempos, cuando se ajustó a la inflación), fue la cuarta película con mayor recaudación de todos los tiempos cuando se estrenó , solo superado por Lo que el viento se llevó (1939), Los diez mandamientos de DeMille (1956) y Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney (1937). «Ben-Hur» ganó 11 premios Oscar de un total de 12 nominaciones, incluido un tercer Premio de la Academia al Mejor Director por Willi. Los 11 Oscars establecieron un récord desde que empataron Titanic (1997) y El señor de los anillos: El retorno del rey (2003).
En la última década de su carrera, rehizo «These Three» como La calumnia (1961), una versión más franca de la obra de Hellman que su versión de 1936. El coleccionista (1965) fue su último triunfo artístico, y tuvo su último éxito con Funny Girl (1968), por el cual Barbra Streis y repitió el éxito de Audrey Hepburn de 15 años antes, ganando un Oscar en su primer papel principal. La última película de Wyler fue No se compra el silencio (1970), un fracaso estimable que abordó el tema del prejuicio racial, pero que surgió en la época revolucionaria de Easy Rider: Buscando mi destino (1969) y otras películas similares, y tuvo poco Promesa para caballos de guerra tan tradicionales como Wyler.
Aunque soñaba con hacer más fotos, la salud de Wyler le impedía tomar otra película. En cambio, él y su esposa Margaret Tallichet, la madre de sus cinco hijos, se contentaron con viajar. William Wyler murió el 27 de julio de 1981 en Beverly Hills, California, uno de los cineastas más destacados y honrados de la historia. (IMDB)
FILMOGRAFÍA COMO AYUDANTE DE DIRECCIÓN:
 | Ben-Hur (1925, Fred Niblo) |
FILMOGRAFÍA COMO DIRECTOR Y PRODUCTOR:
 | Jezabel (1938, William Wyler) |
 | La carta (1940, William Wyler) |
 | La heredera (1949, William Wyler) |
 | Vacaciones en Roma (1953, William Wyler) |
 | Horizontes de grandeza (1958, William Wyler) |
 | Ben-Hur (1959, William Wyler) |
 | La calumnia (1962, William Wyler) |
FILMOGRAFÍA COMO DIRECTOR:
 | Cumbres borrascosas (1939, William Wyler) |
 | La loba (1941, William Wyler) |
 | Los mejores años de nuestra vida (1946, William Wyler) |
 | El coleccionista (1965, William Wyler) |
 | Cómo robar un millón y... (1966, William Wyler) |