⇨ Howard Hawks - 2000 películas siglo XX

Howard Hawks

¿Qué hacen las películas clásicas Scarface, El terror del hampa (1932), La comedia de la vida (1934), La fiera de mi niña (1938), Sólo los ángeles tienen alas (1939), Luna nueva (1940), El sargento ¿York (1941), Tener y no tener (1944), El sueño eterno (1946), Río Rojo (1948) Los caballeros las prefieren rubias (1953) y Río Bravo (1959) tienen en común? Además de sus exhibiciones de gran artesanía, la respuesta es el director Howard Hawks, uno de los cineastas estadounidenses más célebres, que irónicamente, fue muy poco celebrado por sus compañeros en la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas durante su carrera.

Aunque John Ford, su amigo, contemporáneo y el director posiblemente más cercano a él en términos de su talento y producción, le dijo que era él, y no Ford, quien debería haber ganado el Premio de la Academia al Mejor Director de 1941 (por El sargento York (1941)), los grandes Howard Hawks nunca ganaron un Oscar en competencia y solo fueron nominados al Mejor Director esa única vez, a pesar de hacer algunas de las mejores películas del canon de Hollywood. La Academia finalmente compensó la supervisión en 1974 al votarlo con un Premio de la Academia honorario, en medio de un avivamiento crítico de dos décadas que se ha prolongado durante otras dos décadas. Para muchos cineastas, Howard Hawks es una de las caras de la película estadounidense y estaría tallada en cualquier película del monte del panteón. Rushmore honra a los mejores directores de Estados Unidos, junto a su amigo Ford y Orson Welles (el otro gran director que Ford venció por el Oscar de 1941). Le tomó a los críticos franceses de «Cahiers du Cinema» enseñar a Estados Unidos a apreciar a uno de sus propios maestros, y fue para crédito de la Academia que reconoció a los grandes Howard Hawks en su vida.

La carrera de Howard Hawks abarcó los días libres de los independientes originales en la década de 1910, a través del sistema de estudio en Hollywood, desde la era del silencio hasta el cine sonoro, que duró hasta principios de la década de 1970 con la muerte de los estudios y la aparición del director como autor. Este último es un fenómeno que Howard Hawks mismo influyó directamente. Era el director estadounidense más versátil, y antes de su renacimiento crítico de su carrera se ganó una reputación como un artesano de primer nivel y un profesional consumado de Hollywood que acaba de pasar, en un medio que es un proceso industrial, por haber hecho algunas películas excelentes. . El reconocimiento como artista influyente vendría más tarde, pero le llegaría antes de su muerte.

Howard Hawks nació como Howard Winchester Hawks en Goshen, Indiana, el día de la decoración, el 30 de mayo de 1896, el primer hijo de Frank Winchester Hawks y su esposa, la ex Helen Howard. El día de su nacimiento, el sheriff local mató a un peleador en el salón de la ciudad; Sin embargo, el joven Hawks no nació en el lado salvaje de la ciudad, sino con la proverbial cuchara de plata firmemente apretada en su joven boca. Su padre rico era miembro de la familia más prominente de Goshen, dueños de Goshen Milling Co. y muchas otras empresas, y su abuelo materno era uno de los principales industriales de Wisconsin. La familia de su padre había llegado a América en 1630, mientras que el padre de su madre, CW Howard, quien nació en Maine en 1845 de padres que emigraron a los Estados Unidos desde la Isla de Man, hizo su fortuna en la industria del papel con su Howard Paper Co .

Irónicamente, casi medio año después del nacimiento de Howard, la primera película se mostró en Goshen, justo antes de Navidad el 10 de diciembre de 1896. Considerada como «la maravilla científica del mundo», la película se presentó ante una multitud agotada en El teatro Irwin. Sin embargo, decepcionó a la audiencia, y la asistencia disminuyó en las proyecciones posteriores. El interés del niño que crió a un presbiteriano no volvería a despertarse hasta que su familia se mudara al sur de California.
Sin embargo, antes de que sucediera esa medida, la familia Hawks se mudó de Goshen a Neenah, Wisconsin, cuando el padre de Howard fue nombrado secretario / tesorero de Howard Paper Co. en 1898. Howard creció como un niño mimado y mimado en Goshen, pero en Neenah fue tratado como un joven príncipe. Su abuelo C.W. prodigaba a su nieto con juguetes caros. C.W. había sido un padre indulgente, alentando la independencia y la aventura de sus dos hijas, Helen y Bernice, que fueron las primeras niñas en Neenah en conducir automóviles. Bernice incluso fue a dar un paseo en avión (las dos hermanas, la madre y la tía de Hawks, probablemente fueron las primeras modelos de lo que se conoció como «las mujeres Hawksian» cuando se convirtió en director). El hermano Kenneth Hawks nació en 1898 y fue atendido por el joven Howard. Sin embargo, Howard resintió el nacimiento del próximo hijo de la familia, William B. Hawks, en 1902, y ofreció venderlo a un amigo de la familia por diez centavos. Una hermana, Grace, siguió a William. El parto le costó mucho a la madre de Howard, y nunca se recuperó del todo después de dar a luz a su quinta hija, Helen, en 1906. Para ayudarla a recuperarse, la familia se mudó al clima más saludable de Pasadena, California, al noreste de Los Ángeles, para el invierno de 1906-07. La familia regresó a Wisconsin durante los veranos, pero en 1910 se reasentaron permanentemente en California, ya que el abuelo C.W.se pasó el invierno en Pasadena. Finalmente vendió su compañía de papel y se retiró. Sin embargo, continuó complaciendo a su nieto Howard, comprándole lo que quisiera, incluido un auto de carreras cuando el muchacho apenas tenía la edad suficiente para conducir legalmente. C.W. también arregló para que Howard tomara lecciones de vuelo para poder calificar para una licencia de piloto, un ejemplo seguido por Kenneth.

El joven Howard Hawks se acostumbró a conseguir lo que quería y le creyó a su abuelo cuando C.W. le dijo que era el mejor y que podía hacer cualquier cosa. Howard también probablemente heredó la propensión de C.W. a decir mentiras enormes con una cara seria, un rasgo que ha cautivado a muchos historiadores del cine desde entonces. C.W.también participó en teatro amateur y la madre de Howard, Helen, estaba interesada en la música, aunque nadie en la familia Hawks-Howard estuvo involucrado en las artes hasta que Howard se fue a trabajar en la industria del cine.

Hawks fue enviado a la Academia Philips Exeter en Exeter, New Hampshire, para su educación, y al graduarse asistió a la Universidad de Cornell, donde se especializó en ingeniería mecánica. Tanto en su vida personal como profesional, Hawks era un tomador de riesgos y disfrutaba de las carreras de aviones y automóviles, dos deportes que se entregó por primera vez en su adolescencia con la bendición de su abuelo.

El área de Los Ángeles se convirtió rápidamente en el centro de la industria cinematográfica estadounidense cuando los estudios comenzaron a trasladar sus instalaciones de producción desde el área de la ciudad de Nueva York al sur de California a mediados de la década de 1910. Durante unas vacaciones de verano, mientras Howard se matriculaba en Cornell, un amigo le consiguió un trabajo como hombre de utilería en Famous Players-Lasky (que luego se convertiría en Paramount Pictures), y rápidamente subió de rango. Hawks recordó: «Todo comenzó con Douglas Fairbanks, quien estaba en el lugar para tomar una fotografía y llamó por teléfono para decir que querían un set moderno. Solo había un director de arte … y él estaba lejos en otro lugar. Le dije: ‘Bueno, puedo construir un conjunto moderno’. Había tenido unos años de formación en arquitectura en la escuela. Así lo hice, y Fairbanks estaba satisfecho con eso. Nos hicimos amigos, y ese fue realmente el comienzo «.

Durante otras vacaciones de verano de Cornell, Hawks continuó trabajando en el cine. Una historia que cuenta Hawks es que el director de una película de Mary Pickford en la que estaba trabajando Hawks, The Little Princess (1917), se emborrachó demasiado para continuar trabajando, por lo que Hawks se ofreció para dirigir algunas escenas él mismo. Sin embargo, no se sabe si su oferta fue aceptada, o si esto fue solo uno más de sus cuentos

Durante la Primera Guerra Mundial, Hawks sirvió como teniente en el Signal Corps y luego se unió al Army Air Corps, sirviendo en Francia. Después del Armisticio, se entregó a su amor por el riesgo, trabajando como aviador y conductor profesional de autos de carrera. Basándose en su experiencia en ingeniería, Hawks diseñó autos de carreras, y uno de sus autos ganó las 500 millas de Indianápolis. Estas primeras experiencias de guerra y trabajo resultaron invaluables para el futuro cineasta.

Finalmente se decidió por una carrera en Hollywood y trabajó en una variedad de trabajos de producción, incluyendo asistente de dirección, director de casting, supervisor de guiones, editor y productor. Él y su hermano Kenneth filmaron imágenes aéreas para películas, pero Kenneth murió trágicamente durante un accidente mientras filmaba. Howard fue contratado como guionista por Paramount en 1922 y se le encomendó la tarea de escribir 40 argumentos para nuevas películas en 60 días. Compró los derechos de obras de autores establecidos como Joseph Conrad y trabajó, en su mayoría sin acreditar, en los guiones de aproximadamente 60 películas. Hawks quería dirigir, pero Paramount se negó a satisfacer su ambición. Sin embargo, lo hizo un ejecutivo de Fox, y Hawks dirigió su primera película, El camino de la gloria (1926) en 1926, que también se duplicó como guionista.

Hawks se hizo un nombre al dirigir ocho películas mudas en la década de 1920, su facilidad para el lenguaje lo ayudó a prosperar con el comienzo de las imágenes parlantes, y realmente se estableció con su primer talkie en 1930, el clásico drama de aviación de la Primera Guerra Mundial La escuadrilla del amanecer (1930). Sin embargo, su llegada como director principal estuvo marcada por la controvertida y muy popular película de gángsters de 1932 Scarface, el terror del hampa (1932), una biografía apenas disfrazada del gángster de Chicago Al Capone, que fue hecha para el productor Howard Hughes. Su primera gran película, lo catapultó a la primera fila de directores y siguió siendo la película favorita de Hawks. Bajo los auspicios del excéntrico multimillonario Hughes, fue la única película que hizo en la que no tuvo que lidiar con la intromisión en el estudio. Dejó su ultraviolencia con la comedia en una potente preparación que a menudo ha sido imitada por otros directores.

Aunque siempre estuvo involucrado en el desarrollo de los guiones de sus películas, Hawks tuvo la suerte de haber trabajado con algunos de los mejores escritores en el negocio, incluido su amigo y compañero aviador William Faulkner. Los guionistas con los que colaboró en sus películas incluyeron a Leigh Brackett, Ben Hecht, John Huston y Billy Wilder. Hawks a menudo reciclaba historias de películas anteriores, como cuando descartó el guión de rodaje de El Dorado (1967) durante la producción y reelaboró la película en progreso en una nueva versión de Río Bravo (1959).

El éxito de sus películas se basó en parte en el uso de escritores de primer nivel. Hawks vio a un buen escritor como una especie de póliza de seguro y dijo: «Soy tan cobarde que, a menos que consiga un buen escritor, no quiero hacer una imagen». Aunque se ganó la reputación de ser uno de los narradores supremos de Hollywood, llegó a la conclusión de que la historia no era lo que hacía una buena película. Después de hacer y luego rehacer el confuso El sueño eterno (1946) (1945 y 1946) de una novela de detectives de Raymond Chandler, Hawks llegó a creer que una buena película consistía en al menos tres escenas buenas y no malas, al menos no una escena que podría irritar y alienar a la audiencia. Él dijo: «Mientras hagas buenas escenas, tendrás una buena imagen, no importa si no es una gran historia».

Fueron las habilidades de dirección de Hawks, su habilidad para asegurarse de que el público no fuera consciente de la naturaleza doblemente contada de sus películas, a través de su generación de una energía embriagadora de alto octanaje que hizo que sus películas se movieran y las hiciera clásicas en el mejor de los casos y entretenimientos extremadamente agradables en su «peor». El genio de Hawks como director también se manifestó en su dirección hacia sus actores, y su moldeado de sus lecturas de línea contribuyó en gran medida a hacer que sus películas fueran sobresalientes. El diálogo en sus películas a menudo se entregaba a un ritmo staccato, y las líneas de los personajes se superponían con frecuencia, una marca registrada de Hawks. El sentimiento espontáneo de sus películas y la naturalidad de las interrelaciones entre los personajes fueron realzadas por su hábito de alentar a sus actores a improvisar. A diferencia de Alfred Hitchcock, Hawks vio a sus actores principales como colaboradores y los alentó a ser parte del proceso creativo. Tenía un excelente ojo para el talento y fue responsable de dar los primeros descansos importantes a una lista de estrellas, incluidos Paul Muni, Carole Lombard (su prima), Lauren Bacall, Montgomery Clift y James Caan. Fue Hawks, y no John Ford, quien convirtió a John Wayne en una superestrella, con Río Rojo (1948) (filmado en 1946, pero no lanzado hasta 1948). Procedió a darle a Wayne algunos de sus mejores papeles en la trilogía de caballería de Fort Apache (1948), La legión invencible (1949) y Río Grande (1950), en la que Wayne interpretó a una amplia gama de personajes diversos.

Durante la década de 1930, Hawks se movió de golpe en golpe, convirtiéndose en uno de los directores más respetados en el negocio. A medida que su fama aumentaba, la imagen de Hawks reemplazó a la imagen más antigua de jodhpurs y megáfono del director de Hollywood personificada por Cecil B. DeMille. El nuevo paradigma del director de Hollywood a la vista del público era, como el propio Hawks, alto y de cabello plateado, un hombre de acción hemingway que era un profesional minucioso y no le fallaba a su musa ni flaqueaba en su dominio del medio mientras estaba en el trabajo. La imagen de Hawks como el mejor profesional de Hollywood persiste hasta el día de hoy en Hollywood, y sigue siendo una gran influencia en muchos de los cineastas de hoy. Entre los directores influenciados por Hawks se encuentran Robert Altman, quien utilizó el diálogo superpuesto e improvisación Hawksian en M.A.S.H. (1970) y otras películas. Peter Bogdanovich, quien escribió un libro sobre Hawks, esencialmente rehizo La fiera de mi niña (1938) como ¿Qué me pasa, doctor? (1972) Brian De Palma rehizo «Scarface» (El precio del poder (1983)). Otros directores directamente en deuda con Hawks son John Carpenter y Walter Hill.

Hawks era único y moderno en el sentido de que, a pesar de experimentar su pico de carrera en una era dominada por los estudios y el sistema de productores en el que la mayoría de los directores eran simplemente contratados para tomar una foto, también se desempeñó como productor y desarrolló los guiones para sus películas Estaba decidido a permanecer independiente y se negó a unirse a un estudio, o a un género en particular, durante un período prolongado de tiempo. Su ética de trabajo le permitió encajar con los paradigmas de producción del sistema de estudio, y eventualmente trabajó para los ocho principales estudios. Demostró ser, en efecto, un cineasta independiente y, por lo tanto, fue un modelo para otros directores, escritores y productores que surgirían con el colapso del sistema de estudio en las décadas de 1950 y 1960 y el surgimiento del director como autor en el principios de los setenta. Sin embargo, Hawks lo hizo primero, en un ambiente que arruinó o comprometió a muchos otros cineastas.

Howard Hawks no estaba interesado en crear un cine didáctico, sino que simplemente quería contar, dar al público, una buena historia en una imagen bien elaborada y entretenida. Al igual que Ernest Hemingway, Hawks tenía una filosofía de vida, pero los personajes de sus películas nunca tuvieron la intención de ser modelos a seguir. Los protagonistas de Hawks no son necesariamente personas morales, sino que tienden a jugar limpio, de acuerdo con un código personal o profesional. Una película de Hawks generalmente se enfoca en un grupo de profesionales estrechamente vinculados, a menudo aislados de la sociedad en general, que deben trabajar juntos como un equipo para sobrevivir, y mucho menos para triunfar. Sus películas enfatizan rasgos como la lealtad y el respeto propio. El bombardero heroico (1943), una de las mejores películas de propaganda que surgió de la Segunda Guerra Mundial, es una imagen en la que una unidad se une a un bombardero B-17 y el grupo es más que la suma de los individuos.

Además de su interés en dilucidar las relaciones humanas, el tema principal de Hawks es Hemingwayesque: la ejecución del trabajo o el deber de uno a lo mejor de su capacidad frente a las abrumadoras probabilidades que harían que una persona promedio se resista. Los personajes principales de una película de Hawks suelen ser personas que toman su trabajo con la mayor seriedad, ya que su autoestima se basa en su trabajo. Aunque a menudo son extraños o solitarios, los personajes de Hawks trabajan dentro de un sistema, aunque sea un sistema relativamente cerrado, en el que finalmente pueden triunfar siendo leales a sus códigos personales y profesionales. Algunos críticos e historiadores del cine han visto ese paradigma temático como una metáfora de la industria cinematográfica y del lugar que Hawks ocupa en ella.

En cierto sentido, la obra de Hawks puede resumirse en dos categorías: las películas de acción y aventura y las comedias. En sus películas de acción y aventuras, como Sólo los ángeles tienen alas (1939), el protagonista masculino, interpretado por Cary Grant (un actor favorito suyo que protagonizó con frecuencia sus películas entre 1947 y 1950), es un héroe y el top dog en su grupo social. En las comedias, como La fiera de mi niña (1938), el protagonista masculino (nuevamente interpretado por Grant) no es un héroe sino una víctima de las mujeres y la sociedad. Las mujeres solo tienen un papel tangencial en las películas de acción de Hawks, mientras que son las figuras dominantes en sus comedias. En las películas de acción y aventura, la sociedad en general a menudo está muy lejos y los profesionales masculinos existen en un mundo casi herméticamente sellado, mientras que en las comedias están arraigadas en la sociedad y sus costumbres. Los hombres son constantemente humillados en las comedias, o están sujetos a cambios de roles (el hombre como la presa cazada románticamente en «Baby», o el cambio de rol aún más dramático, incluido Cary Grant en drag, en La novia era él (1949)) . En las películas de acción y aventura en las que las mujeres son marginadas, se ven obligadas a someterse a elaborados rituales de cortejo para atraer a su hombre, a quien no pueden obtener hasta que demuestren ser tan duros como los hombres. Hay una corriente subyacente de homo-erotismo en las películas de acción de Hawks, y Hawks mismo llamó a su novia en cada puerto (1928) «una historia de amor entre dos hombres». Este leitmotif homoerótico es más destacado en Río de sangre (1952).

Cuando hizo «Rio Bravo», más de 30 años desde que dirigió por primera vez una película, Hawks no solo se estaba moviendo conscientemente hacia la parodia, sino que estaba en el proceso de revisar su credo de «círculo cerrado de profesionales» hacia la creencia de que, por el En el momento de su nueva versión, «El Dorado» en 1966, enfatizaba la superioridad de las lealtades familiares a cualquier ética profesional. En «Río Bravo», el grupo heterogéneo dentro de la cárcel eventualmente se convierte en una familia en la cual el código de conducta estoico de los grupos Hawksianos anteriores es reemplazado por algo similar a un vínculo familiar. La nueva «familia» celebra su unidad con el tiroteo final, que es una exhibición virtual de fuegos artificiales debido al uso de dinamita para vencer a los villanos que amenazan la supervivencia de la familia. El afecto de los miembros del grupo el uno por el otro se resume mejor en la escena en la que el gran actor Walter Brennan, que interpreta al Stumpy adjunto de Wayne, le dice a Wayne que tendrá lágrimas en los ojos hasta que regrese a la cárcel. La capacidad de atacar a Wayne es indicativo del vínculo entre los dos hombres.

La expansión de la obra de Hawks sobre múltiples géneros, y su existencia como ejemplos de películas de alta energía en estado puro, enfatizando la acción en lugar de la reflexión, llevó a críticos serios antes de la década de 1970 a descartar a Hawks como director. En general, ignoraron los temas que recorren su cuerpo de trabajo, como la dinámica del grupo, la amistad masculina, el profesionalismo y las mujeres como una amenaza para la independencia de los hombres. Por supuesto, el mundo cinematográfico limitado por Hawks era limitado en comparación con el de John Ford, el poeta de la pantalla estadounidense, que era más rico y complejo. Sin embargo, el estilo directo de Hawks que enfatizaba las relaciones humanas indudablemente produjo uno de los mejores cultivos de películas sobresalientes que se pueden atribuir a un director. Las películas de Hawks no solo abarcan una amplia variedad de géneros, sino que con frecuencia se clasifican con los mejores en esos géneros, ya sea la película de guerra («The Dawn Patrol»), la película de gángsters («Scarface»), la comedia de la película (Luna nueva (1940 )), la película de acción y aventuras («Only Angels Have Wings»), el cine negro (El sueño eterno (1946)), Western («Río Rojo») y «Rio Bravo»), la comedia musical (Los caballeros las prefieren rubias (1953)) y la epopeya histórica (Tierra de faraones (1955)). Incluso participó en la creación de una de las películas clásicas de ciencia ficción, El enigma de otro mundo (1951), producida por Hawks pero dirigida por Christian Nyby, quien había editado varias películas de Hawks y quien, en su único esfuerzo de dirección. , esencialmente creó una película de Hawks (aunque han circulado rumores de que Hawks realmente dirigió la película en lugar de Nyby, que ha sido descontada por miembros del reparto como Kenneth Tobey y James Arness, quienes han declarado inequívocamente que fue solo Nyby quien dirigió la película imagen).

Aunque Howard Hawks creó algunos de los momentos más memorables en la historia del cine estadounidense hace medio siglo, los críticos serios generalmente evitaron su trabajo, ya que no creían que hubiera una inteligencia controladora detrás de ellos. Visto como el director profesional consumado en el proceso industrial que era la película de estudio, los críticos serios creían que los grandes momentos de las películas de Hawks eran simplemente accidentes que se acumulaban al trabajar en Hollywood con otros profesionales. En su libro de 1948 «The Film Till Now», Richard Griffin resumió este sentimiento con «Hawks es un todo terreno muy bueno».

Los críticos serios en ese momento atribuyeron el manto de «artista» a un director solo cuando podían discernir las aspiraciones artísticas, un estilo visual personal o una intención temática seria. Hawks les parecía un director poco ambicioso que, a diferencia de D.W. Griffith o el temprano Cecil B. DeMille, no habían hecho una contribución importante a la película estadounidense, y no fueron responsables de ninguna innovación cinematográfica importante. Carecía del toque personal de un Charles Chaplin, un Hitchcock o un Welles, no tenía la sensibilidad pictórica de un John Ford y nunca había madurado hasta convertirse en el maestro artesano que abordaba temas pesados como el fracaso del sueño americano o el racismo, como George Stevens Hawks fue visto como un director comercial de Hollywood que fue lo suficientemente bueno como para producir entretenimientos de primer nivel en una amplia variedad de películas de género en una época en la que las películas de género como el melodrama, la imagen de guerra y la imagen de gángster fueron tratadas con falta de respeto

Una de las ideas centrales detrás de la novela modernista que dominó la primera mitad de la conciencia artística del siglo XX (cuando la novela y el novelista todavía se consideraban los últimos árbitros de la cultura en el mundo angloamericano) era que el autor debería comenzar algo nuevo con cada libro, en lugar de repetirse a sí mismo como lo habían hecho los novelistas del siglo XIX. Este paradigma se puede ver de manera más espectacular en el trabajo de James Joyce. Por supuesto, es fácil ver este impulso de «algo nuevo» en las obras de D.W. Griffith y C.B. DeMille, los padres de la película narrativa, trabajan como en un nuevo medio. En la era posterior al estudio, Stanley Kubrick (al menos a través de Barry Lyndon (1975)) y Lars von Trier pueden verse como embarcados en rupturas revolucionarias con su pasado. Howard Hawks no era así y, de hecho, los últimos Hawks reciclaban constantemente no solo temas sino tramas (de modo que su última gran película, «Rio Bravo», se rehizo esencialmente como «El Dorado (1966)» y Río Lobo ( 1970)). No encajaba en el paradigma «modernista» de un artista.

La percepción crítica de Hawks comenzó a cambiar cuando la teoría del autor, la idea de que una inteligencia era responsable de la creación de películas superiores, independientemente de su designación como «comercial» o «casa de arte», comenzó a influir en la crítica cinematográfica estadounidense. Al comentar sobre la facilidad de Hawks para hacer películas en una amplia variedad de géneros, el crítico Andrew Sarris, quien introdujo la teoría del autor a la crítica cinematográfica estadounidense, dijo sobre Hawks: «Para un director importante, no hay géneros menores». Una imagen de género Hawks tiene sus raíces en las convenciones y expectativas de audiencia típicas del género Hollywood. La imagen de género de los Hawks no desafía, socava o derroca radicalmente las convenciones del género o las expectativas de la audiencia de la película de género, sino que la expande al revivirla con nueva energía. Como Robert Altman dijo sobre su propio Los vividores (1971), jugó plenamente con las convenciones y las expectativas de la audiencia del género occidental y, de hecho, no hizo nada para desafiarlos, ya que confiaba en que la audiencia entrara en una zona de confort. el género. Lo que Altman quería hacer era disfrutar de su propio arte pintando y rellenando los bordes de su lienzo. Por lo tanto, Altman necesitaba la complicidad de la audiencia a través de las convenciones de género para lograr esto.

Como director de género, Hawks utilizó la comodidad de su audiencia con el género para exponer su filosofía sobre el vínculo masculino y las relaciones hombre-mujer. Sus películas tienen una gran cantidad de energía, invertidas en ellas por el maestro artesano, lo que las convirtió en grandes entretenimientos populares. Que Hawks fuera un cineasta comercial que también fuera un artesano de primer nivel no era la suma total de sus logros como director, sino que era el medio por el cual se comunicaba con su audiencia.

Mientras que muchos durante su vida no habrían llamado a Hawks artista, Robin Wood comparó a Hawks con William Shakespeare y Wolfgang Amadeus Mozart, quienes crearon entretenimientos populares que también podrían atraer a las élites. Según Wood, «la originalidad de sus obras no radica en la evolución de un lenguaje completamente nuevo, sino en el uso y desarrollo del artista de uno ya existente; por lo tanto, hubo un terreno común desde el principio entre el artista y la audiencia, y ‘ el entretenimiento ‘podría ocurrir espontáneamente sin la intervención de un largo período de asimilación «.

El gran cineasta francés Jean-Luc Godard, quien comenzó su carrera en el cine como crítico, escribió sobre Hawks: «Los grandes cineastas siempre se atan al cumplir con las reglas del juego … Tomemos, por ejemplo, las películas de Howard Hawks, y en particular ‘Rio Bravo’. Esa es una obra de extraordinaria percepción psicológica y percepción estética, pero Hawks ha hecho su película para que la idea pueda pasar desapercibida sin molestar a la audiencia que ha llegado a ver a un occidental como todos los demás. «Hawks es el mayor porque ha logrado adaptar todo lo que más aprecia en un tema muy usado».

Una década antes de la visión de Godard sobre Hawks, a principios de la década de 1950, los críticos en lengua francesa que escribieron para la revista de cine «Cahiers du Cinema» (muchos de los cuales llegarían a ser directores) elevaron a Howard Hawks al panteón de los grandes directores. (La apreciación de Hawks en Francia, según el fundador de Cinématheque Francaise Henri Langlois, comenzó con el lanzamiento francés de «Only Angels Have Wings». El suizo Éric Rohmer, que algún día se convertiría en un gran director, en una revisión de 1952 de Hawks «The Big Sky» declaró: «Si no se aman las películas de Howard Hawks, no se puede amar el cine». Rohmer se unió a su entusiasmo por Hawks por compañeros cineastas franceses como Claude Chabrol, François Truffaut y Jacques Rivette. Los críticos de Cahiers afirmaron que un puñado de directores comerciales de Hollywood como Hawks y Alfred Hitchcock habían creado películas tan ingeniosas y satisfactorias como las obras maestras del cine de arte. André Bazin les dio a estos críticos el apodo de «Hitchcoc ko-Hawksians

Rivette escribió en su ensayo de 1953, «El genio de Howard Hawks», que «cada disparo tiene una belleza funcional, como un cuello o un tobillo. La sucesión suave y ordenada de los disparos tiene un ritmo como el pulso de la sangre, y todo la película es como un cuerpo hermoso, que se mantiene vivo gracias a una respiración profunda y resistente «. Hawks, sin embargo, se consideraba un artista, no un «artista». Su definición de un buen director era simplemente «alguien que no te molesta». Nunca fue considerado un artista hasta que los críticos franceses de la Nueva Ola lo coronaron uno, ya que los críticos serios habían ignorado su obra. La adulación le pareció divertida, y una vez les dijo a sus admiradores: «Ustedes conocen mis películas mejor que yo».

Al comentar sobre este fenómeno, la esposa de Sarris, Molly Haskell, dijo: «Los críticos pasarán horas con adivinanzas sobre el paisaje mental obviamente hermético de [Ingmar Bergman], [Michelangelo Antonioni], etc., dándoles el beneficio de cada duda pasajera. Pero ellos despreciará excursiones similares en el terreno genuinamente críptico, más rico y más orgánico de los talentos locales «.

La estética visual de Hawks evita el formalismo, la fotografía con trucos o los trucos narrativos. No hay flashbacks o elipses en sus películas, y sus imágenes generalmente se enmarcan como tomas medias a la altura de los ojos. Las películas en sí están estructuradas con precisión, tanto que Langlois comparó a Hawks con el gran arquitecto modernista Walter Gropius. Hawks lo considera a uno como un cineasta intuitivo e inconsciente.

La definición de Hawks de un buen director era «alguien que no te molesta». Cuando Hawks recibió el Premio de la Academia por su logro de por vida, la cita se refirió al director como «un gigante del cine estadounidense cuyas imágenes, tomadas en su conjunto, representan uno de los cuerpos de trabajo más consistentes, vívidos y variados del cine mundial. » Es un epitafio apropiado para uno de los mejores directores de la historia del cine estadounidense y mundial. (IMDB)

FILMOGRAFÍA COMO DIRECTOR, PRODUCTOR, GUIONISTA Y ACTOR:

Scarface, el terror del hampa (1932, Howard Hawks)
ver online
descargar

FILMOGRAFÍA COMO DIRECTOR Y PRODUCTOR:

	La fiera de mi niña (1938, Howard Hawks) ver online descargar
	Luna nueva (1940, Howard Hawks) ver online descargar
	Tener y no tener (1944, Howard Hawks) ver online descargar
	El sueño eterno (1946, Howard Hawks) ver online descargar
	Río Rojo (1948, Howard Hawks y Arthur Rosson) ver online descargar
	Río Bravo (1959, Howard Hawks) ver online descargar
	Hatari (1962, Howard Hawks) ver online descargar
	Su juego favorito (1964, Howard Hawks) ver online descargar
	El Dorado (1966, Howard Hawks) ver online descargar
	Río Lobo (1970, Howard Hawks) ver online descargar

FILMOGRAFÍA COMO DIRECTOR, PRODUCTOR Y GUIONISTA:

	Sólo los ángeles tienen alas (1939, Howard Hawks) ver online descargar
	El enigma de otro mundo (1951, Christian Nyby y Howard Hawks) ver online descargar